"El indio más rápido del mundo" debuta en EE. UU.



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El 3 de febrero de 2006, se estrena en los cines de Estados Unidos "The World’s Fastest Indian", una película basada en la historia real del piloto de motocicletas y poseedor del récord de velocidad en tierra Burt Munro. La película fue protagonizada por Anthony Hopkins como Munro, el sexagenario que en la década de 1960 estableció varios récords de velocidad en tierra con su motocicleta Indian Scout de 1920 modificada en Bonneville Salt Flats en Utah.

Herbert Munro, quien nació en Invercargill, Nueva Zelanda, el 25 de marzo de 1899, comenzó a conducir motocicletas cuando era adolescente. Más tarde compró su motocicleta Indian Scout y la compitió en Australia y Nueva Zelanda. A fines de la década de 1940, Munro, a quien algunos de sus vecinos consideraban excéntrico, dejó de trabajar y dedicó todo su tiempo y energía a reconstruir sus motocicletas Indian y Velocette, modificar los motores y cuadros y fabricar a mano sus propias piezas nuevas. Después de establecer varios récords de velocidad en Nueva Zelanda en las décadas de 1940 y 1950, Munro centró su mirada en Bonneville Salt Flats de Utah. Ubicado aproximadamente a 100 millas al oeste de Salt Lake City, Bonneville Salt Flats es una extensión dura y plana de 30,000 acres formada a partir de un antiguo lago evaporado. En 1914, Teddy Tezlaff estableció un récord de velocidad automática en Bonneville, conduciendo a 141,73 mph en un Blitzen Benz. A fines de la década de 1940, Bonneville se había convertido en el lugar estándar para establecer y romper récords mundiales de velocidad en tierra y desde entonces ha atraído a conductores de todo el mundo que compiten en varias divisiones de automóviles y motocicletas.

En 1962, Munro navegó a Estados Unidos en un carguero, trabajando como cocinero para pagar su pasaje. Después de llegar a Salt Flats, estableció un récord mundial de 178,97 mph con su motor aburrido a 850 cc. Durante los siguientes años, el decidido Munro, que entonces tenía 60 años, regresó a Bonneville nuevamente, compitiendo allí por última vez en 1967, cuando condujo 183.586 mph y estableció un nuevo récord de velocidad en la clase de motocicletas de menos de 1,000 cc. Su carrera de calificación de ida de 190.07 mph fue la velocidad más rápida jamás registrada en una motocicleta Indian.


Jugador histórico número 20.000 de MLB Fields

José Godoy, de los Marineros de Seattle, se convirtió en el jugador número 20.000 de las Grandes Ligas cuando salió al campo contra los Padres de San Diego el viernes.

Cuando el receptor suplente de los Seattle Mariners, José Godoy, salió al campo en San Diego el viernes, hizo historia como el jugador número 20.000 de las Grandes Ligas en 150 años.

Godoy, un venezolano de 26 años, se fue de St. Louis a Seattle en noviembre pasado, originalmente firmando un contrato de ligas menores antes de su invitación al entrenamiento de primavera de 2021. Cuando hizo su primera aparición en Grandes Ligas el viernes, los Marineros estaban detrás de los Padres de San Diego 12-1 al final de la sexta entrada, informó ESPN.

La multitud no estalló en vítores cuando Godoy cruzó el hito de la MLB, y los Padres de San Diego finalmente barrieron a los Marineros 16-1, pero Seattle se había preparado para la ocasión. Los Marineros publicaron una parodia en video de ¡Peligro! leyenda Ken Jennings en la cuenta oficial de Twitter del equipo.

¡Bienvenido al programa y la tradición de trivia del béisbol, José! pic.twitter.com/U8U1zC2iqi

& mdash Seattle Mariners (@Mariners) 22 de mayo de 2021

El primer equipo de béisbol abiertamente profesional conocido se presentó en Cincinnati, Ohio, en 1869. Y el diácono White de Cleveland Forest Citys registró el primer hit en la historia de la Asociación Nacional de Jugadores Profesionales de Pelota Base, reconocida como la primera liga mayor, en 1871.

Pero los informes sobre la "manía" del béisbol se remontan al menos a la década de 1840, según el Salón de la Fama del Béisbol Nacional. Cuando estalló la Guerra Civil, ambos bandos utilizaron el béisbol como una forma de escapar del conflicto.

En la Primera Guerra Mundial, 227 jugadores de Grandes Ligas sirvieron en el ejército, incluidos los futuros miembros del Salón de la Fama Ty Cobb, Christy Mathewson, Branch Rickey y George Sisler, según el Salón de la Fama. Esa cifra aumentó a más de 500 en la Segunda Guerra Mundial, lo que llevó a la fundación de la Liga de Béisbol Profesional Femenino All-American para compensar la pérdida de jugadores masculinos que sirvieron en la guerra. A partir de la década de 1940, se dice que Estados Unidos trabajó para diseñar granadas en tamaño, forma y peso que se parecieran mucho a una pelota de béisbol.

El pasatiempo de Estados Unidos ha tenido su parte de gente interesante en su historia. El infame ladrón de bancos John Dillinger jugó semiprofesional antes de su vida de crimen e incluso atrapó partidos en Wrigley Field en Chicago mientras huía del FBI. Tal vez el jugador más famoso de todos los tiempos, el Sultán de Swat, el Gran Bambino, Babe Ruth, fue enviado al hospital después de comer 12 perros calientes, acompañados de ocho botellas de refresco, entre dos juegos en un doble encabezado.

En 2020, el calendario reducido y los juegos jugados sin fanáticos llevaron a los 30 equipos de la MLB a perder un total de $ 1.8 mil millones en comparación con una ganancia de $ 1.5 mil millones en 2019, según un Forbes análisis. Los estadios vacíos en todo el país se convirtieron más tarde en sitios de vacunación masiva para ayudar a sacar al país de la pandemia.


El artista de los Grammy 2021, Mickey Guyton, hace historia, sin la ayuda de la radio country y de # x27s

El artista de grabación de Capitol Nashville, Mickey Guyton, hizo historia en la 63a entrega de los premios Grammy este fin de semana como la primera solista negra en ganar una nominación al Grammy en una categoría de música country (Vince Gill ganó por "When Amy Prays"). El sencillo "Black Like Me", detalla sus experiencias al crecer como mujer negra en Estados Unidos. Pero Guyton no solo está nominada por una canción sobre la experiencia negra en un género excluyente como la música country, sino que también ha sido nominada sin el apoyo de la radio country.

Mickey Guyton está haciendo historia este fin de semana, como la primera artista solista negra en ganar una nominación al Grammy en una categoría de música country.

2020 fue un año crítico para Guyton. Cinco años después de que lanzara su sencillo debut, "Better Than You Left Me", que la radio country soltó en su mayoría después de unos pocos meses de transmisión al aire, Guyton hizo una aparición sorpresa en el Seminario anual de Country Radio para interpretar "What Are You Gonna Tell Her ? " Una acusación de las disparidades de género en la sociedad, la canción habló directamente a su audiencia sobre el papel de la industria de la radio en la marginación de las mujeres, los artistas de color y las personas LGBTQ + dentro de la industria. En un panel de discusión después de la actuación, un director de programa elogió la canción e indicó que si tenía la pista, la tocaría de inmediato. El equipo de Guyton apresuró la demo a la producción y lanzó el sencillo el 6 de marzo de 2020.

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Y, sin embargo, a pesar del aparente entusiasmo por la canción, no logró ganar tracción en la radio, apareciendo con mayor frecuencia en medio de la noche, según mi informe reciente, "Redlining in Country Music".

Este escenario volvió a ocurrir con los sencillos de Guyton "Black Like Me" y "Heaven Down Here". Según mi investigación, los tres sencillos de Guyton obtuvieron un 0.01 por ciento combinado de la transmisión anual en 2020 (alrededor del 70 por ciento de los cuales cayeron por la noche y durante la noche). Se escuchó lo suficiente para que los programadores dijeran que lo intentaron, pero no lo suficiente para que la canción tuviera una oportunidad real de ser escuchada por las audiencias de la radio nacional. Aun así, la música de Guyton está recibiendo elogios por la variedad de importantes problemas sociales que aborda. Y ahora, los Grammy pueden recompensar esa profundidad con una estatua dorada.

Esta historia, de una canción con elogios de la crítica que lucha por ser transmitida por la radio, es demasiado común en la industria de la música country. Más específicamente, es demasiado familiar para las mujeres no blancas y los artistas LGBTQ +, que históricamente han sido relegados a los márgenes de la industria.

Hasta el día de hoy, "Color Him Father" de Linda Martell sigue siendo la canción de mayor rango de una artista negra, habiendo alcanzado el puesto 22 en la lista de Billboard en 1969.

La industria de la música popular de EE. UU. Se formó en la década de 1920 a lo largo de una línea de color musical que se hacía eco de la segregación de Jim Crow. Aunque los músicos blancos y negros tocaban y escuchaban la misma música, cuando los ejecutivos discográficos comenzaron a grabar canciones populares para la venta masiva, crearon dos categorías, discos "hillbilly" y "race", a través de las cuales comercializarían música a las comunidades blancas y negras. , respectivamente.

Si bien estas categorías de marketing específicas ya no se utilizan en la actualidad (reemplazadas con el tiempo por "country" y "R & ampB"), la segregación racial en la que se fundó la industria se ha reforzado a través del desarrollo de la industria discográfica y la centralización del negocio de la música country. en Nashville, la creación de formatos de radio y el desarrollo y mantenimiento continuo de las listas de popularidad de la industria.

Estos no son problemas históricos, son problemas contemporáneos. Como muestra mi nuevo informe, durante las últimas dos décadas, solo el 1,4 por ciento de los artistas country con canciones que se reproducen en la radio country de EE. UU. Son negros, indígenas y personas de color, o BIPOC: el 0,6 por ciento de ellos son artistas negros y el 0,8 por ciento de los estadounidenses. son birraciales, indígenas, hispanos / latinos o asiático-americanos.

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En un estudio de representación a través de la reproducción al aire, descubrí que solo el 2.3 por ciento de la reproducción general desde 2002 hasta 2020 incluía canciones de artistas que no eran blancos. Aunque la transmisión anual aumentó del 0.3 por ciento en 2002 al 4.8 por ciento en 2020, la mayor parte de esta transmisión se produjo en la última década y casi en su totalidad para las canciones de tres hombres: Darius Rucker, Kane Brown y Jimmie Allen.

En el contexto de una industria que ya tiene un desequilibrio de género bien documentado, no debería sorprendernos saber que las mujeres BIPOC son las menos representadas.

Este tipo de programación no sólo margina a las mujeres de BIPOC, sino que "pone en peligro" su música. "Redlining" es una palabra que se usa con mayor frecuencia para describir cómo los propietarios negros fueron empujados a vecindarios segregados. Pero los científicos de datos ahora lo usan para capturar las formas en que los algoritmos usan, directa o indirectamente, criterios como la raza, el género y la sexualidad para realizar evaluaciones. Algo similar está sucediendo en la música country, en la que los datos de la industria se utilizan para tomar decisiones de programación que tienen como resultado que artistas específicos sean empujados a franjas horarias que tienen los porcentajes más bajos de oyentes, es decir, cuando la mayoría de la audiencia escucha está durmiendo.

Si la radio no va a reproducir canciones de mujeres de BIPOC, los sellos no van a firmar e invertir en ellas ni a promover su música.

En un mundo en el que la transmisión se está convirtiendo en el modo común de descubrimiento de música, ¿por qué sigue siendo importante la transmisión por radio? Porque sigue siendo un guardián de gran parte de la industria y todavía tiene mucho poder sobre el sonido y la cultura de los artistas populares del country. Si la radio no va a tocar canciones de mujeres BIPOC, entonces los sellos no van a firmar e invertir en ellas ni a promover su música con la misma intensidad que lo hacen los artistas blancos. (Es fundamental tener en cuenta que Mickey Guyton es la única artista negra firmada con un sello importante de Nashville y, a pesar de 10 años en Capitol Nashville, aún no se le ha ofrecido la oportunidad de grabar un álbum completo).

Y la industria de la radio también ayuda a determinar los premios. El marcado rojo de la música country asegura que los artistas que no son de raza blanca tengan dificultades para ser escuchados por los radioescuchas. Pero la falta de reproducción al aire también deprime la capacidad de las canciones para ascender en las listas de música country, lo que a su vez hace que las canciones no sean elegibles para los premios de la industria country, premios que se basan en el éxito de las listas. Estos problemas, por supuesto, se extienden a los artistas que la industria no considera country, como fue el caso de "Daddy Lessons" de Beyoncé y "Old Town Road" de Lil Nas X.

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El académico George Lipsitz habla mucho sobre la "inversión posesiva en la blancura". Su trabajo sobre movimientos sociales y políticas de identidad ha descubierto que las políticas públicas y los prejuicios individuales son responsables juntos de las jerarquías raciales que persisten dentro de la sociedad. Y su crítica de las estructuras sociales en los EE. UU. Proporciona un vehículo perfecto para comprender cómo funciona la industria del país. Como en los estudios de caso de Lipsitz, la blancura tiene "valor en efectivo" en la industria de la música country. Esto explica las ventajas que obtienen los artistas blancos que se benefician directa o indirectamente de las prácticas de programación discriminatorias.

Esto es evidente no solo en la programación, sino también a través de criterios heredados que "transmiten el botín de la discriminación a las generaciones venideras". En una empresa capitalista como la industria de la música country, el modelo de negocio se convierte en una profecía autocumplida: fomenta la inversión en la blancura, porque la blancura sigue siendo parte integral de la defensa de la política de identidad que proporciona ventajas financieras.

Pero las ventajas que provienen de mantener esta inversión blanca no superan los beneficios de desmantelar la supremacía blanca. La industria no solo está excluyendo a los artistas que no son blancos, sino que también está eliminando una base de fanáticos hambrientos de representación inclusiva y diversa.

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Ha sido una larga espera para Guyton, quien ha pasado una década pagando sus cuotas y trabajando en el sistema de Nashville, solo para que el sistema la ignore. El domingo, interpretó "Black Like Me" en el escenario de los Grammy. Con suerte, la industria finalmente se dio cuenta de lo que se había estado perdiendo todo el tiempo.

La Dra. Jada Watson es profesora adjunta de música en la Universidad de Ottawa, académica en música country e investigadora principal del proyecto SongData. Su investigación se centra en las conexiones entre los músicos y los marcos socioculturales e institucionales más amplios que gobiernan los géneros musicales.


Este restaurante será el primero en servir pollo cultivado en laboratorio (por $ 23)

El sábado, el pollo cultivado en laboratorio elaborado por la empresa estadounidense Eat Just hará su debut histórico en el restaurante 1880 en Singapur, después de que la agencia de alimentos del país aprobó la venta de carne cultivada.

El pollo cultivado en laboratorio será la primera carne cultivada vendida y servida en un restaurante, según un comunicado de prensa de Eat Just.

En 1880, que es conocido por menús innovadores y miembros con conciencia social, según su sitio web, el pollo GOOD Meat Cultured Chicken estará disponible en un trío de platos de muestra: panecillo bao con pollo cultivado con sésamo crujiente y hojaldre de hojaldre de cebolla tierna con pollo cultivado. y puré de frijoles negros y un crujiente waffle de arce con pollo cultivado con especias y salsa picante.

El trío costará alrededor de $ 23, dijo Josh Tetrick, cofundador y CEO de Eat Just a CNBC Make It.

Tetrick, quien fundó Eat Just en 2011, dice que la compañía comenzó a desarrollar pollos cultivados utilizando células animales en 2016. Desde 2011, la compañía ha recaudado $ 300 millones hasta la fecha y fue valorada por última vez en $ 1.2 mil millones.

Para crear BUEN pollo, se extrae una pequeña cantidad de células animales de las aves de corral. Luego, las células se alimentan con nutrientes como aminoácidos, carbohidratos, minerales, grasas y vitaminas, los mismos tipos de nutrientes que los animales necesitan para crecer y multiplicarse, según Eat Just. A partir de ahí, las células se convierten en carne a un ritmo rápido utilizando un biorreactor. (Tetrick compara el proceso con la elaboración de cerveza).

De principio a fin, el proceso tarda unos 14 días en crear pollo cultivado. Eso es más rápido que el pollo tradicional, que tarda unos 45 días en pasar del pollito al matadero, según Tetrick. Eat Just tiene instalaciones de fabricación en el norte de California y Singapur para producir el producto.

Si bien Tetrick no quiso revelar cuánto cuesta hacer BUEN pollo, dice que la compañía no está ganando dinero con el precio de venta actual.

"No lo establecimos a un costo que nos permitiera ganar dinero, pero creemos que estamos en un lugar en el que podemos seguir escalando", dice. Tetrick dice que Eat Just ha estado trabajando para obtener la aprobación regulatoria de EE. UU. Y otros países.

Tetrick agrega que el gobierno de Singapur tardó más de dos años en aprobar la venta de pollos cultivados. - Designaron un panel de seguridad. Observaron la calidad de la línea celular, el proceso de fabricación y determinaron que esto es seguro ", dice.

Si bien la Administración de Alimentos y Medicamentos y el Departamento de Agricultura de los EE. UU. Han supervisado la regulación de los mariscos a base de células desde 2019, la carne cultivada, como los productos cárnicos de origen vegetal, probablemente enfrentará la oposición de los productores de carne tradicionales, como los ganaderos de EE. UU. Asociación, según un informe de CNBC.

Además de la aprobación regulatoria, los altos costos de producción son una de las mayores barreras que enfrentan las empresas emergentes de carne cultivada en laboratorio.

Según Bloomberg, la producción de carne cultivada cuesta entre 400 y 2.000 dólares el kilogramo (2,2 libras). En 2013, la empresa holandesa Mosa Meat dijo que le costó 280.000 dólares hacer su hamburguesa cultivada en laboratorio, pero más recientemente ha encontrado una manera de reducir los costos. Para 2021, Mosa Meat dice que espera vender sus empanadas cultivadas en laboratorio a alrededor de $ 10, según Reuters.

Para 2030, se proyecta que el mercado de la carne a base de células alcanzará los 140.000 millones de dólares, según el pronóstico cumplido por Blue Horizon Corp.

Las empresas emergentes cultivadas en laboratorio, o de "carne limpia", también han atraído la atención de los grandes inversores. Por ejemplo, Memphis Meats, con sede en Berkeley, California, cuenta con Bill Gates, Ricard Branson y Tyson Foods Inc. entre sus inversores.


Simone Biles hace historia al aterrizar en Yurchenko Double Pike

Luciendo un maillot con una cabra con pedrería, Biles se convirtió en la primera mujer en aterrizar una doble pica Yurchenko en el Clásico de EE. UU. El movimiento nunca lo ha hecho una gimnasta en competición.

Esta fue la primera vez que el cinco veces medallista olímpico compitió en más de un año. Durante su última salida, Biles ganó su quinto título completo en el Campeonato Mundial de 2019.

No solo sorprendió a la multitud con su histórica bóveda, Biles debutó con su rutina de piso coreografiada por Sasha Farber, su ex Bailando con las estrellas pareja. La visitó en abril para ayudarla a & quot; limpiar & quot & quot & # xA0la coreografía, que estaba ambientada con música techno & # xA0.

Debido al nivel de dificultad, Biles recibió un sólido 14.250. La rutina incluía algunas de sus habilidades distintivas: una voltereta hacia atrás doble con triple torsión y una mitad de diseño doble. & # XA0

Antes de que los Juegos Olímpicos de Tokio se retrasasen debido a la pandemia mundial COVID-19, Biles & # xA0told PEOPLE & # xA0she no tenía planes de competir. & # XA0

"En gimnasia, casi todo se ha hecho, así que cuando se traspasan los límites hay un factor de riesgo & # x2014riesgo vs recompensa", dijo en marzo pasado. "La gimnasia puede ser un deporte peligroso, así que tienes que ser inteligente".

Pero ella cambió de opinión hace unos meses. & # XA0

& quot; Ha habido & apost & quot; demasiadas veces en las que yo estaba como & aposOh, eso fue realmente aterrador. Tal vez no deberíamos & apostar hacer eso, & apos & quot, le dijo a & # xA0Texas Mensual en marzo. & quot & apos realmente fue como, & aposWow, esto es factible, podemos hacer esto & apos & quot.

"Siento que podría ser una mejor apuesta hacerlo en la final general porque obtienes ese calentamiento con un solo toque, en lugar de las finales de bóveda en las que no apostas", agregó. & quot; Siento que solo tenemos que entrar y sopesar las opciones, ver qué & apostar inteligente, tener una idea de la bóveda & quot.


"El indio más rápido del mundo" debuta en EE. UU. - HISTORIA

1940-1949

Nacido en el fragor de la batalla, el Go Anywhere. Do Anything.® Jeep® Brand 4x4 surgió como un héroe para miles de soldados aliados en todo el mundo. Los igualmente heroicos vehículos Jeep civiles de la década de 1940 establecieron firmemente a la marca Jeep como líder indiscutible en tecnología 4x4.

UNA HERENCIA DE HÉROES

El Jeep icónico® La marca es reconocida en todo el mundo, siempre ligada a la libertad, la capacidad y la aventura. Cada vehículo de la marca Jeep tiene una historia única que contar, con una rica herencia que se vincula con el Willys MB original. Nuestra historia es tu historia. Los propietarios de vehículos Jeep saben desde hace mucho tiempo que Go Anywhere. Hacer nada. ® es una forma de vida, no solo un eslogan de campaña. Explora nuestra línea legendaria y luego crea tu propia historia atemporal en un 4x4 de la marca Jeep.

EL NACIMIENTO DE UN ICONO

WILLYS QUAD

WILLYS MA

WILLYS MB

JEEP® CJ-2A

WILLYS WAGON

CAMIÓN WILLYS-OVERLAND

JEEP® JEEPSTER (VJ)

JEEP® CJ-3A

1940 WILLYS QUAD

LA PRIMERA MARCA JEEP® 4x4

En junio de 1940, con la Segunda Guerra Mundial en el horizonte, el Ejército de los Estados Unidos solicitó ofertas a 135 fabricantes de automóviles para un "vehículo de reconocimiento ligero" de 1/4 de tonelada adaptado a las especificaciones del Ejército. Sólo tres empresas respondieron - Bantam, Willys y Ford - pero, en el plazo de un año, produjeron colectivamente la plantilla para el vehículo conocido mundialmente como el "jeep".

Willys-Overland entregó el prototipo "Quad" (llamado así por el sistema 4x4 que presentaba) al Ejército de los Estados Unidos en el Día del Armisticio (Día de los Veteranos), noviembre de 1940. El diseño se completó en unos extraordinarios 75 días.

Solo se hicieron dos prototipos.

1941 WILLYS MA

LA MARCA JEEP® DE PRÉSTAMO Y ARRENDAMIENTO 4x4

El Willys MA presentaba una palanca de cambios en la columna de dirección, recortes de carrocería laterales bajos, dos grupos de instrumentos circulares en el tablero y un freno de mano en el lado izquierdo. Willys luchó por reducir el peso a la nueva especificación del Ejército de 2,160 libras. Se acortaron tuercas y tornillos junto con paneles más ligeros para producir una versión más ligera del Quad. Los elementos eliminados para que el MA alcanzara ese objetivo se reinstalaron en el MB de próxima generación, lo que resultó en un peso final de aproximadamente 400 libras por encima de las especificaciones.

Después de arduas pruebas, Willys-Overland se adjudicó el contrato en julio de 1941 que pedía la producción de 16.000 modelos MB revisados ​​a un precio unitario de $ 738,74. La mayoría de los MA fueron enviados a los Aliados de Estados Unidos en Rusia e Inglaterra bajo el programa Lend-Lease. Hoy en día, el MA es el más raro de todos los Willys de preproducción, con solo una treintena de modelos conocidos que existen.

Las mejoras en el Willys MA sobre el Quad incluyeron: un freno de mano, ruedas de una sola pieza, cortes en las puertas redondeadas, dos grupos de instrumentos de montaje circular y una palanca de cambios montada en la columna de dirección.

1941-1945 WILLYS MB

FORJADO EN BATALLA

Es una leyenda que el ejército de los Estados Unidos solicitó un vehículo y se fue en un héroe. El Willys MB, su espíritu forjado por el fuego del combate y perfeccionado en el fragor de la batalla, se abrió camino en los corazones de los guerreros que luchaban por la libertad. A menudo se desarrollaban fuertes lazos emocionales entre un soldado y su "jeep" 4x4. El fiel MB se ganó un lugar en el corazón de cada soldado, en cada área de combate, en cada rol imaginable.

El resistente y simple 4x4 de la marca Jeep® se convirtió en el mejor amigo del GI, solo superado por su rifle. Un MB incluso recibió un Corazón Púrpura y fue enviado a casa. El general George C. Marshall, Jefe de Estado Mayor del Ejército de los EE. UU. Durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde Secretario de Estado de los EE. UU., Describió al Jeep® Brand 4x4 como "la mayor contribución de Estados Unidos a la guerra moderna". Ernie Pyle, reportero de la Segunda Guerra Mundial de Scripps Howard, dijo una vez: "Hizo todo. Fue a todas partes. Fue fiel como un perro, tan fuerte como una mula y tan ágil como una cabra. Llevaba constantemente el doble de lo que estaba diseñado y aún conservaba yendo."

La MB inició una revolución en el uso de pequeños vehículos de motor militares en el Ejército de los Estados Unidos. Los caballos junto con las motocicletas, solos y con sidecar, quedaron obsoletos casi de inmediato. El MB multipropósito era increíblemente versátil. Podrían equiparse con ametralladoras calibre .30 o .50 para combate. También se modificaron ampliamente para patrullas desérticas de largo alcance, arado de nieve, tendido de cables telefónicos, aserradoras, bombas de bomberos, ambulancias de campaña, tractores y, con ruedas adecuadas, incluso funcionarían en vías férreas.

Los MB se podían cargar en aviones de transporte para un despliegue rápido y también eran lo suficientemente pequeños como para caber en los grandes planeadores utilizados en la invasión del día D de Europa. En el transcurso de la guerra, se desarrollaron kits de campo personalizados para las condiciones invernales y desérticas, vadear en aguas profundas y otras necesidades de combate.

Aunque el Willys MB no fue el primer vehículo con tracción en las cuatro ruedas, el Go Anywhere. Do Anything.® El vehículo de la marca Jeep® influyó en todos los 4x4 construidos a su paso. El Museo de Arte Moderno de Nueva York incluye un 4x4 militar de la marca Jeep en su exhibición de ocho automóviles y lo consideró como "una de las pocas expresiones genuinas del arte de las máquinas".

1945-1949 JEEP® CJ-2A

EL PRIMER VEHÍCULO CIVIL DE LA MARCA JEEP® (CJ)

El poderoso Willys MB emergió del caldero de la guerra listo para el servicio en tiempos de paz. El legendario G.I. El caballo de batalla de la Segunda Guerra Mundial fue convertido por Willys-Overland en un CJ con el objetivo de poner a pastar los caballos de batalla de la granja.

Según Willys-Overland, había 5,5 millones de agricultores en los EE. UU., Y de estos, más de 4 millones no tenían ni camión ni tractor. El robusto y versátil CJ-2A fue comercializado por Willys-Overland como "El caballo de trabajo agrícola versátil". Podría hacer el trabajo de dos caballos de tiro pesado, operando a una velocidad de cuatro millas por hora, 10 horas al día, sin sobrecalentar el motor. El CJ-2A "Universal" debía servir a la agricultura y la industria en todo el mundo de mil formas diferentes.

Willys-Overland también promocionó el CJ-2A como "Una central eléctrica sobre ruedas", presentándolo como un vehículo de trabajo y una potencia móvil para las masas. Se diseñó una variedad de implementos agrícolas y herramientas industriales para su uso junto con una unidad de toma de fuerza a bordo. Un gobernador accionado por correa se controlaba desde el panel de instrumentos, lo que permitía regular las velocidades del motor de 1000 a 2600 rpm. Las ventas fueron rápidas a pesar del exceso de metilbromuro en el mercado de excedentes de guerra.

Los premios en efectivo fueron ofrecidos por Ciencia popular revista sobre "Ideas sobre trabajos en tiempo de paz para jeeps". El concurso estimuló el ingenio y la naturaleza innovadora de Estados Unidos. Pronto, los vehículos de la marca Jeep® se utilizaron como plataforma para cientos de aplicaciones. De particular interés: de 1949 a 1964, se utilizó un vehículo o chasis completo de la marca Jeep en todas las máquinas repavimentadoras de hielo Zamboni®. En 1949, el Modelo A tardó 10 minutos en hacer un trabajo que solía llevar más de una hora y media.

Una versión muy modificada del MB, el CJ-2A de 1945 (MSRP: $ 1,090) tenía "Willys" grabado en los lados del capó y el marco del parabrisas. Se ofreció al público con mejores amortiguadores, resortes y asientos más cómodos para mayor comodidad, transmisión revisada y relaciones de transmisión de la caja de transferencia que permiten el transporte a baja velocidad y velocidades en carretera de hasta 60 mph, embrague más robusto, mejor enfriamiento, una puerta trasera, llanta de repuesto lateral, faros delanteros más grandes de 7 pulgadas, una tapa de combustible externa, un marco reforzado para mayor rigidez y un limpiaparabrisas automático en el lado del conductor.

1946-1965 VAGÓN DE WILLYS

EL PRIMER VAGÓN ESTACIÓN DE ACERO DE AMÉRICA

La primera camioneta totalmente de acero de Estados Unidos debutó en julio de 1946 como la camioneta Jeep® Station Wagon modelo 463 y presentaba una pintura de tres tonos que simulaba el aspecto de "madera". El vehículo utilitario totalmente de acero sin mantenimiento no era propenso a desgastarse, pelarse o chirriar como los viejos "woodies". El portón trasero abatible del Wagon se adelantó a su tiempo y se le puede atribuir el origen de la "fiesta del portón trasero".


Todas las formas en que BTS hizo historia en la lista de radio de EE. UU. La semana pasada

COREA DEL SUR - 22 DE NOVIEMBRE: (PARA USO EDITORIAL NO HAY PORTADAS DE LIBROS.) En esta imagen publicada en noviembre. [+] 22, Jin, Suga, V, Jungkook, RM, Jimin y J-Hope de BTS asisten a los American Music Awards 2020 el 22 de noviembre de 2020 en Corea del Sur. (Foto de Big Hit Entertainment / AMA2020 / Getty Images a través de Getty Images)

Getty Images a través de Getty Images

Desde el momento en que fue lanzado, el nuevo sencillo de BTS, "Butter", fue un éxito. Se vendió increíblemente bien, se transmitió hasta la cima y, después de que pasó su primer cuadro de seguimiento completo, también se convirtió en una victoria en varias listas de radio estadounidenses. Este marco, la melodía salta siete espacios más en CarteleraLa lista de Radio Songs, aterrizando en el n. ° 32, pero su desempeño inicial en el último turno es lo que ayudó al éxito del verano a convertirse en una victoria histórica para el grupo en esa lista específica.

Aquí hay un vistazo a tres formas en que "Butter" de BTS hizo historia en la lista de canciones de radio cuando debutó por primera vez la semana pasada.

Tercera colocación de un acto musical de Corea del Sur

Lo crea o no, "Butter" es de alguna manera la tercera canción de un acto musical surcoreano de cualquier tipo que se coloca en la lista de canciones de radio. siempre. Estos son todavía los primeros días para las estrellas de esa parte del mundo que se abren paso y obtienen victorias en la lista muy competitiva, por lo que ese número seguramente aumentará en los próximos meses y años.

Antes de la semana pasada, solo "Dynamite" de BTS y "Gangnam Style" de Psy también figuraban en la cuenta.

Tercer Top 40 entre los actos musicales de Corea del Sur

La lista de Canciones de radio incluye 50 espacios, pero todos apuntan a los 40 primeros, si no más. Impresionantemente, BTS obtuvo el único debut en el recuento la semana pasada, y como si eso no fuera un logro suficiente, la nueva melodía del grupo logró abrirse dentro de una de las regiones más importantes, certificándola como al menos un pequeño éxito de radio de el momento en que apareció.


¿Cuándo muestro mi obra maestra? La primera retrospectiva del arte visual de Bob Dylan llegará a los EE. UU. Este otoño

“Retrospectrum” está programado para abrir en el Frost Art Museum de Florida en noviembre.

Bob Dylan, Puesta de sol, Monument Valley (2019). Foto: Yu Jieyu / AP. Cortesía del Museo de Arte Patricia & Phillip Frost.

Este otoño, una gran retrospectiva del arte de Bob Dylan hará su debut en Estados Unidos en Miami. "Retrospectrum", como se llama la exposición, se inaugurará en el Museo de Arte Frost de la Universidad Internacional de Florida el 30 de noviembre, justo a tiempo para la Semana del Arte de Miami. Un simposio de varios días sobre el legado cultural de Dylan dará inicio a la ocasión.

El espectáculo Frost llegará como una versión un poco más pequeña de la encuesta de Dylan que se inauguró en 2019 en el Museo de Arte Moderno (MAM) en Shanghai. Fue la exposición más visitada en la ciudad china ese año, y la mayor encuesta de este tipo jamás realizada sobre el arte visual de Dylan.

El catálogo de la exposición de Shanghai es lo que inspiró al presidente de la universidad, Mark Rosenberg, a preguntar sobre la posibilidad de llevar la exposición a Estados Unidos, dijo en un comunicado. "Supe de inmediato que quería traer las obras visuales raras veces vistas de este artista icónico al sur de Florida, para que las disfrutaran nuestros estudiantes, nuestra comunidad en general y visitantes de todo el país y de todo el mundo", dijo Rosenberg.

Nos enorgullece anunciar que "Retrospectrum", la exposición más amplia y detallada de las obras de arte de Bob Dylan, tendrá su debut en EE. UU. @FrostArtMuseum del 30 de noviembre de 2021 al 17 de abril de 2022. @FIUCarta @WPHL_FIU @FIU Foto cortesía: @bobdylan pic.twitter.com/UTX30n9Tlj

& mdash Frost Art Museum FIU (@FrostArtMuseum) 10 de mayo de 2021

Unas 120 pinturas, dibujos y esculturas de las últimas seis décadas de la vida de Dylan conformarán la exposición de Florida, incluidas obras nunca antes vistas de una nueva serie de pinturas titulada "Pastoral estadounidense". (Los detalles de la serie no se han compartido, pero Dylan tiene una larga trayectoria en la representación del paisaje de EE. UU.).

An announcement from the museum positions the event as a showcase of the “development and diversity in Dylan’s visual practice,” and promises immersive and interactive displays.

Whether or not Dylan himself will have a role in assembling the show is unclear (and perhaps unlikely). When reached by Artnet News, a representative from the museum declined to share additional information on this point and others.

Baitel, meanwhile, simply said, “Dylan is constantly creating and therefore you can bet there will be some new elements and surprises.”

Bob Dylan, One Too Many (2020). Courtesy of the artist.

While the Nobel Prize winner has maintained a visual art practice for much of his life, the art world began to take serious notice over the past two decades. In that time, institutions such as the Kunstsammlungen in Germany, the National Portrait Gallery in the U.K., and the National Gallery of Denmark in Copenhagen, have all mounted exhibitions of the songwriter’s work.

Dylan’s paintings have graced the cover of several albums, including his own Self Portrait (1970) and Planet Waves (1974), as well as The Band’s Music From Big Pink (1968).


When Elton John became a rock star: The untold story of the Troubadour concert

When Elton John flew to Los Angeles to make his U.S. debut at the Troubadour on Aug. 25, 1970, the prospect of a visit to America was so tantalizing to his British pals that many accompanied him. In addition to his band mates (bassist Dee Murray and drummer Nigel Olsson), John, then 23, traveled with his lyricist, Bernie Taupin, manager Ray Williams, producer Steve Brown, graphic designer David Larkham and roadie Bob Stacey. “We were very much a gang,” says Taupin. They were soon joined by Roger Greenaway, a great British songwriter who was already visiting L.A.

John played eight shows in six nights at the Troubadour, and those shows helped turn him from an odd-named unknown into rock’s biggest star since the Beatles. Rolling Stone included the Troubadour shows in a recent list of the 50 greatest concerts of the rock era. The visit not only turbo-charged John’s career, it also altered the lives of Taupin and Larkham, who met their first wives, and Williams, who lost his job. At a time of maximum cultural contrast between London and L.A., the Brits came looking for freedom and enchantment and found it in multitudes.

Prior to the Troubadour, John had little success. In 1967 the singer (who hadn’t yet changed his name from Reg Dwight) and Taupin were signed by Dick James, a British music mogul who published the Beatles songs. In a 1970 Record Mirror poll, John was named the fifth most promising U.K. act in pop, trailing Juicy Lucy and Pickettywitch, but his singles failed on the charts. Every American label passed on signing him except UNI Records (home of Neil Diamond and not much else), which signed him for an advance of .00. James was almost out of patience but resolved to put a final $10,000 into breaking John in the U.S.

UNI head Russ Regan and publicist Norm Winter, through the force of their big personalities and relentless hype, helped fill the Troubadour, which had a capacity of about 300, with L.A.’s best-known musicians. On opening night, Neil Diamond introduced John, and other attendees included Quincy Jones and Peggy Lipton, Linda Ronstadt, Brian Wilson and Mike Love of the Beach Boys, Van Dyke Parks, Don Henley, Randy Newman, David Crosby, Stephen Stills and Graham Nash. But for Elton’s future, the most important witness was Times pop critic Robert Hilburn, who wrote an inflamed review. “Rejoice!” Hilburn announced. “Rock music has a new star.”

The Troubadour gigs didn’t make Elton John a star, but they did create an opportunity for him to become a star, with the right song. In October 1970, UNI released “Your Song,” which John Lennon called “the first new thing that’s happened since we [the Beatles] happened.” It roared to eight on the Billboard Hot 100, the first of an incredible 16 top 10 singles John released in the 1970s. He also released seven consecutive No. 1 albums in less than four years.

John is currently on a farewell tour, has written a memoir that will be published in October and executive produced “Rocketman,” a movie about his rise to pop sovereignty and subsequent addictions-fueled fall. The Troubadour shows play a significant part in the film, but director Dexter Fletcher, working in the traditions of Baz Luhrmann and Ken Russell, changes facts and rearranges chronology in order to better create a speedball fantasia. “Rocketman” is huge, ludicrous fun, but if you want the true story of the 1970 L.A. residency that catapulted Elton John to mass stardom, here it is.

Packed My Bags Last Night, Pre-Flight

Elton John: I didn’t think we were ready to try breaking America. I’d been performing as a solo artist for about a year in England by that point, and the shows had been going down really well. I felt I still needed to properly break the U.K. first, and I wanted to keep my focus there.

Bernie Taupin: Success? Prácticamente nada. Zip. Zero. The Troubadour shows were the blue-touch paper for our career.

Ray Williams: We’d played in Europe — got booed off the stage in France — and had good press. The Troubadour shows were probably a last chance to get things going.

John: It was Dick James who really pushed for me to go to the Troubadour. He thought it would kick-start things — and he was right!

Taupin: Dick had an ability to be the luckiest white man alive. He signed the Beatles to a publishing deal, lost the Beatles, and then got us. Lightning does strike twice!

Williams: Our booking agent, Jerry Heller, asked if we’d do a gig at the Troubadour. I said, “How much?” He said, “$150.” You’ve got to be joking. But that gave us a platform to go to Dick, and he put up the money to do it.

Roger Greenaway: If Elton had died at the Troubadour, that would’ve been the end of it.

David Larkham: I’d met Elton in 1968, when [producer] Steve Brown asked me to take publicity photographs of two unknown songwriters. We all became friends. We’d go buy albums, or as in Bernie’s lyrics [to the song “Social Disease”], we’d get juiced on Mateus and just hang loose. I decided to come along to L.A.

Taupin: Elton and I were inseparable from the time we met.

Nigel Olsson: Elton and Bernie were so nervous. Dick James had said, “If this doesn’t work, you can all come back and I’ll get you jobs in a shoe store on Oxford Street.” Yes, jolly decent of you!

Greenaway: They land in L.A., and the record label had gotten him an open-top bus, a British double-decker bus. On the side, it said, ELTON JOHN HAS ARRIVED. People thought “Elton John” was a new kind of toilet.

Blue Jean Babies, L.A. Ladies

John: My first trip to L.A. was like stepping into a movie. Los Angeles looked just like it did on television in the “Beverly Hillbillies.” One of the first places Bernie and I wanted to visit was 77 Sunset Strip, from the iconic TV series.

Taupin: The first thing we wanted to do was go to record stores. Tower Records, the one on Sunset, that was like nirvana to us.

John: Everything in L.A. looked and sounded different. It was the first time I heard proper FM stereo radio. Everything looked and sounded amazing.

Williams: I’d been to L.A. before. So when Nigel needed a hair dryer, I said, “I’ve got a girlfriend here.” Her name was Joanna Malouf. I rang Joanna, but she was in Greece, on holiday. Her sister Janice answered the phone instead and kindly offered to bring a hair dryer to the hotel. Janice also brought a friend, Maxine Feibelman.

Joanna Malouf: I was in Europe with Sonny and Cher, who I met through Ray — he’d done their PR. Ray was gorgeous. And he had an accent — that was already enough.


CNO: Hypersonic Weapons at Sea to Premiere on Zumwalt Destroyers in 2025

Zumwalt-class guided-missile destroyer USS Michael Monsoor (DDG-1001) leads a formation including the Arleigh Burke-class guided-missile destroyers USS Fitzgerald (DDG-62), USS Spruance (DDG-111), USS Pinckney (DDG-91) and USS Kidd (DDG-100), and the Independence-variant littoral combat ship USS Coronado (LCS-4) during U.S. Pacific Fleet’s Unmanned Systems Integrated Battle Problem (UxS IBP) on April 21, 2021. US Navy Photo

The Navy is set to debut its first at-sea hypersonic missiles aboard one of the service’s three Zumwalt-class destroyers in four years, Chief of Naval Operations Adm. Mike Gilday said on Tuesday.

Rather than have the Navy’s first weapons capable of traveling Mach 5 of faster fire from guided-missile submarines “by 2025,” as previously planned, Gilday said that the Zumwalts would be the first platform to field hypersonics during an event at the Center for Strategic and Budgetary Assessments.

“Fielding hypersonics on the Zumwalt-class destroyers will be an important move forward [to] turn that into a strike platform,” he said.

Announced in 2017, the Navy is converting the trio of Zumwalts – USS Zumwalt (DDG-1000), USS Michael Monsoor (DDG-1001) and the under-construction Lyndon B. Johnson (DDG-1002) – into a blue-water strike platform from one designed to operate in the littorals and support forces ashore with guided rounds from dual 155mm guns.

Gilday didn’t specify the weapon, but USNI News understands Gilday was referring to the Common Hypersonic Glide Body (C-HGB) developed for the Army, Air Force and the Navy. The weapon is being developed for the conventional prompt strike (CPS) mission that aims to have a conventional weapon strike a target anywhere in the world with little notice.

“Our biggest R&D effort is in hypersonics — to deliver that capability in 2025 on a surface ship and then on Block V [Virginia-class] submarines,” he said.

Gilday’s comments differ from the Navy’s earlier plans, announced last year, to initially field the hypersonic weapons on the existing quartet of Ohio-class guided-missile submarines (SSGN) and then the Block V Virginia-class attack subs that will replace them.

Vice Adm. Johnny Wolfe, the head of the Navy’s Strategic Systems Programs, said in November that the Navy could see a “limited operating capability” of the hypersonic weapon by 2025 in the SSGNs.

“I think we understand the technology: we’ve proven that in flight, we’ve proven that in the things we do. It really is transitioning to production, which we all know in any development program that anybody’s dealt with – the science is great, you go out and build one-offs, and then transitioning that to a very repeatable process so you get the reliability that you need, and that’s exactly where we’re at right now.”

Artist’s conception Block III Virginia-class bow with two MAC tubes.

The Navy has studied using a variant of the all Multiple All-up-round Canisters (MAC) system – developed for the Ohio class, which put seven Tomahawk Land Attack Missiles (TLAM) in the same space of a Trident-II D5 nuclear ballistic missile – to hold the larger C-HGBs. A decade ago the Navy researched packing three shorter-range ballistic missiles into a MAC and is using that work as a basis to field the new hypersonic weapons.

For Zumwalt, the Navy has studied replacing at least one of the 155 mm gun mounts with one or two MAC tubes to field the missile. While the study work is moving forward, there is not yet a program of record to modify the Zumwalts to field the tubes. Given the timeline laid out by Gilday, the money could likely be part of the Fiscal Year 2022 budget expected to emerge sometime in May, USNI News understands. It’s also unclear which platform would receive the missiles first.

Beyond the logistics of installing the capability, Gilday said the new hypersonic weapons would give the Navy new tools to make surface forces more effective in an era where ships underway would be easier to find.

“I think perhaps [hypersonics] may be the best example of how we want to bring that kind of capability forward in a distributed fashion, using distributed maritime operations, that come at the adversary at a variety of different vectors, to make it very difficult for them to target us,” he said.
“The other thing that naval forces bring to bear, which is not insignificant in the day and age of hypersonics, is the ability to be mobile. Not that we’re going to be able to completely hide in the future, right? One would think that over time there’ll be ubiquitous imagery coverage over the Pacific, whether those are military satellites or whether they’re commercial. That information will be available to an adversary, whether he or she purchases it, or whether they steal it, but it’s going to be difficult to hide.”

USS Portland (LPD-27) successfully disabled an unmanned aerial vehicle (UAV) with a Solid State Laser. US Navy Image

For the defense of ships, Gilday is pushing for the rapid development of directed energy weapons to counter the missile threat for hard-to-hide surface ships. He cited the Chinese drive to develop anti-ship ballistic missiles and new satellites as the driver to develop weapons that would take advantage of the power generation capability in the service’s latest ships.

“I think directed energy with respect to the future survivability of the fleet is really important. If you think about the fact that a Ford-class carrier generates three times the electrical power of a Nimitz-class, or that we’ve got excess power generation in Zumwalt-class destroyers,” Gilday said.
“We can have that same capability on an unmanned vessel, whether it’s medium or large, and that vessel traveling along with a strike group or a surface action group provides a higher degree of defense-in-depth coverage against an incoming threat.”


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