Estatua de un príncipe romano a caballo

Estatua de un príncipe romano a caballo


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Estatua de un príncipe romano a caballo - Historia

Mito: La forma en que se representa a un soldado y un caballo # 8217 en una estatua ecuestre indica cómo murió el soldado.

Este mito, perpetuado por muchos guías turísticos de todo el mundo, simplemente no es cierto. (No muy diferente de cómo los guías turísticos alrededor del ecuador le dirán a menudo que el hemisferio en el que se encuentra afecta la forma en que el agua se arremolina por el inodoro o el desagüe. mostrarle agua girando en un sentido, luego a unos cientos de metros del otro lado del ecuador y mostrarlo girando en el otro lado. ¡Magia! De hecho, por supuesto, el hemisferio en el que se encuentra no tiene casi nada que ver con el camino remolinos de agua por inodoros y desagües).

Un ejemplo de guía turística que perpetúa el mito ecuestre es el de 1987. Manos a la obra en Chicago:

En Sheridan Road y Belmont Avenue, la estatua del [General] Sheridan invita a las tropas a la batalla. El caballo que monta el general Sheridan se llama Winchester & # 8230 Winchester & # 8217s la pierna levantada simboliza que su jinete fue herido en la batalla (las piernas del caballo de [General] Grant & # 8217 están en el suelo, lo que significa que no fue herido).

Esto da una descripción bastante buena del mito como se dice generalmente, pero dejando de lado la tercera opción comúnmente mencionada de que el caballo tenga ambas patas delanteras en el aire, lo que implica que el soldado murió en la batalla. Otra advertencia es que si el jinete murió por complicaciones de las heridas recibidas en la batalla, pero en una fecha posterior a la batalla, la mayoría de las versiones de este mito dicen que solo una pierna debe estar levantada como con las personas que resultaron heridas pero no lo hicieron. muere por complicaciones de la herida.

Según el Centro de Historia Militar del Ejército de los Estados Unidos, nunca ha existido tal tradición. Esto no es sorprendente considerando que los ejemplos de varias estatuas ecuestres de la misma persona tienden a ser inconsistentes en términos de la posición de las patas del caballo. Pero no tomemos la palabra del historiador del ejército de los EE. UU., Veamos algunos ejemplos.

Primero, dé un paseo por Washington D.C., que tiene la colección de estatuas ecuestres más grande de todas las ciudades del mundo. A partir de esto, usted será rápidamente desengañado de la noción de que la representación del caballo y las piernas tiene algo que ver con la forma en que murió la persona, con solo alrededor del 30% de las estatuas de esta ciudad conforme a las reglas anteriores. # 8221. (Dado que hay 3 opciones aquí, ese 30% -ish parece bastante apropiado).

Una de las estatuas ecuestres más antiguas que se conocen en los Estados Unidos es la estatua de 1853 del general Andrew Jackson en Lafayette Park, Washington D.C., que se hizo en celebración de la victoria de Jackson sobre los británicos en la batalla de Nueva Orleans. En esta estatua, el caballo tiene ambas patas delanteras en el aire. Por supuesto, Jackson no murió en batalla sino de tuberculosis. La persona que fundió esa escultura, Clark Mills, fue el primer escultor en los Estados Unidos en lanzar un caballo con un jinete donde el caballo tiene algunas de sus patas en el aire (en este caso ambas); en este punto, era más de una muestra de la habilidad del artista para tener el caballo con las piernas en el aire en lugar de cualquier tipo de tradición relacionada con la batalla y la muerte.

En los casos en los que el mismo escultor hizo múltiples estatuas ecuestres que podrían potencialmente aplicarse a esta & # 8220regla & # 8221, como el caso del escultor irlandés de renombre mundial Augustus Saint-Gaudens, vemos que a veces violó la supuesta tradición y otras veces pareció adherirse a él. Una de esas estatuas que hizo del general William Techumsa Sherman tiene una de las patas delanteras del caballo levantada. De hecho, el general Sherman fue herido dos veces en batalla, e incluso le dispararon a 3 caballos debajo de él. No murió en la batalla, sino que vivió hasta los 71 años y se cree que murió de neumonía. Entonces, desde ese aspecto, este encaja. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que esta estatua también tiene levantada una de las patas traseras del caballo. El mito de las patas del caballo de la estatua ecuestre no parece cubrir lo que eso podría significar potencialmente & # 8230 tal vez & # 8230 solo tal vez & # 8230 significa que se supone que el caballo debe verse como él & # 8217 está corriendo y no tiene nada que ver con la muerte del jinete & # 8217 / heridas & # 8230

También hay una gran estatua ecuestre del General Sherman en el Monumento al General Sherman en Washington D.C. Esta estatua tiene el caballo con las cuatro patas en el suelo. (Este es un tema común donde existen múltiples estatuas ecuestres. Uno podría suponer que las diferencias tienen algo que ver con los escultores que quieren que las suyas se vean marcadamente diferentes a las estatuas ya existentes).

El único lugar donde esta estatua ecuestre & # 8220tradition & # 8221 parece sostenerse con algún tipo de coherencia es con algunas estatuas de soldados que lucharon en la Batalla de Gettysburg. (Se cree que así fue como se inició el mito en primer lugar). De los casi 500 monumentos de Gettysburg, hay 6 estatuas ecuestres. Cinco de los seis se ajustan al mito y el sexto lo hace libremente, pero el problema es la estatua del general John Sedgwick, que murió en el Palacio de Justicia de la Batalla de Spotsylvania: su estatua ecuestre tiene los cuatro cascos en el suelo.

(Aparte: las últimas palabras del general Sedgwick fueron: & # 8220 ¿Qué? ¿Hombres esquivando de esta manera por balas individuales? ¿Qué harás cuando abran fuego a lo largo de toda la línea? Me avergüenzo de ti. No pudieron golpear a un elefante en esta distancia. & # 8221 Luego recibió una bala en la cabeza disparada desde unos 900 metros (1000 yardas) de distancia).

Por supuesto, se podría argumentar que esta & # 8220tradición & # 8221 solo se refería a lo que sucedió en la batalla de Gettysburg, en la que Sedgwick no resultó herido ni murió. Si ese es el caso, entonces el suyo es correcto. Sin embargo, si ese es el caso, entonces la estatua de James Longstreet en esa colección no lo es. No fue herido en Gettysburg, pero su estatua tiene el caballo con un pie levantado. (Fue herido en la batalla de Glendale, por lo que encajaría allí, pero no si limitamos la posición de la estatua en función de la batalla de Gettysburg para que la estatua del general Sedgwick encaje).

Incluso entonces, parece extraño que se creara un código de este tipo solo para 6 estatuas de personas prominentes que lucharon en la batalla de Gettysburg, y aún más extraño que si el código existiera, lo habrían roto en una de las estatuas. Dado que no hay registro de que los escultores hayan hecho esto intencionalmente, y la discrepancia, realmente no está claro si esto es lo que estaban buscando. Es posible dado el pequeño tamaño de la muestra y que este es el único lugar en el que encontramos esta correlación algo consistente, simplemente sucedió que al azar funcionó de esa manera con la forma en que los escultores decidieron hacer las estatuas.

Así que esto cubre bastante a fondo las estatuas en Estados Unidos. ¿Qué pasa con las estatuas ecuestres al otro lado del estanque? Los antiguos romanos tenían numerosos ejemplos de estatuas ecuestres, pero desafortunadamente casi todas fueron destruidas o fundidas para su uso en otras cosas. Una de las pocas estatuas ecuestres de Roma que se conservan fue la del emperador Marco Aurelio, que murió en 180 años de una enfermedad. Su caballo en esa estatua tiene una pata delantera en el aire. No hay ningún registro de que Marco Aurelio haya sido herido en batalla y, como prominente romano y eventual emperador, es poco probable que haya visto mucho tiempo de batalla directo y de cerca (aunque fue parte de muchas batallas).

(Aparte: bastante curioso, probablemente la única razón por la que la estatua de Marco Aurelio sobrevivió cuando la mayoría de las demás no sobrevivió es que durante mucho tiempo se identificó erróneamente como una estatua del emperador Constantino el Grande, que era un emperador cristiano. ¿Importante para su preservación? Porque muchas de las estatuas romanas se fundieron para hacer cosas como campanas de iglesia, monedas y esculturas para iglesias. Derretir una estatua de Constantino habría estado al borde de la blasfemia).

Hay una estatua ecuestre sobreviviente del emperador Constantino con el caballo con ambas patas delanteras hacia arriba. Constantino no murió en batalla, sino por causas naturales.

Avance rápido a tiempos más recientes, en la Europa medieval y realmente no hay muchas estatuas ecuestres, ya que eran (y son) muy caras de hacer y requieren un escultor experto. Los pocos ejemplos que existen no parecen correlacionarse en absoluto con ningún tipo de tradición de patas de caballo. Para un ejemplo breve, un poco más reciente, tenemos al rey Luis XIV que tenía una estatua ecuestre en Versalles con ambas patas delanteras en el caballo en el aire. Luis XIV murió de gangrena a la edad de 77 años, no en batalla.

Dado que más de un escultor ha trabajado en estatuas ecuestres a lo largo de la historia, si se supone que hay algún tipo de código, incluso si no se sigue en general, habría documentación al respecto en alguna parte; después de todo, tienen que pasar ese código. No es sorprendente que no lo haya. Es casi como si el escultor simplemente eligiera la actitud del caballo para adaptarse a las preferencias artísticas personales.

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Estatuas de londres

Nos preocupamos por algunas de las mejores estatuas y monumentos de la capital, en homenaje a personajes famosos a lo largo de la historia, así como por algunos destacados monumentos de guerra de Londres del siglo XX.

Puede encontrar estatuas y monumentos que cuidamos en todo el centro de Londres. La más antigua, una espléndida estatua de bronce del rey Carlos I a caballo del gran escultor Hubert Le Sueur, se ha enfrentado a Whitehall hacia el lugar de la ejecución del rey desde 1675. Otras estatuas de nuestra colección conmemoran a los monarcas desde Jaime II hasta Eduardo VII.

Magníficamente ubicado cerca de su casa en Londres, Apsley House, el poderoso Arco de Wellington y una estatua ecuestre honran al 'Duque de Hierro' de Wellington, el más grande de todos los héroes militares de Gran Bretaña. Las estatuas de soldados famosos de las guerras victorianas de Gran Bretaña incluyen al general Gordon de Jartum y Colin Campbell, que comandaba la 'delgada línea roja' en Balaclava en Crimea, donde Florence Nightingale saltó a la fama por primera vez. Su estatua se encuentra junto al Memorial de los Guardias de Crimea, fundido en bronce con un cañón ruso tomado en Sebastopol, en Waterloo Place.

Otras estatuas incluyen a Cristóbal Colón, el Capitán Scott de la Antártida, que fue esculpido por su viuda Kathleen, y una columna en el Terraplén del Támesis que recuerda a Samuel Plimsoll, cuya 'línea Plimsoll' evita la peligrosa sobrecarga de los barcos.

Casi un tercio de los monumentos de Londres de nuestra colección recuerdan aspectos de las dos guerras mundiales del siglo XX. El Belgian War Memorial, también llamado Belgian Gratitude Memorial, agradece la ayuda británica a los refugiados belgas en 1914-18, y la estatua de Lord Haig, Comandante en Jefe británico, está contrapuntada por el monumento a la enfermera Edith Cavell, fusilada por ayudando a los prisioneros de guerra aliados a escapar. Está inscrito con sus palabras, 'El patriotismo no es suficiente. No debo tener odio ni amargura por nadie ', agregó a pedido del Consejo Nacional de la Mujer.

Ocho estatuas honran a grandes personajes de la Segunda Guerra Mundial. Harris, Portal y Trenchard de los generales de la RAF Alanbrooke, Montgomery y Slim y los comandantes aliados De Gaulle y Eisenhower. Pero muchos más son conmemorados por nuestros dos destacados monumentos de guerra de Londres. El Royal Artillery Memorial en Hyde Park Corner recuerda a casi 50.000 artilleros muertos en 1914-18: coronado por un gran obús de piedra e incluyendo la figura de un soldado muerto cubierto por una capa, su realismo lo hizo al principio muy controvertido. También lo fue el cercano Machine Gun Corps Memorial, aunque también fue diseñado por un escultor que sirvió en las trincheras: representa al niño David sosteniendo la espada de Goliat, recuerda las casi 30% de bajas sufridas por el cuerpo.

Pero el más famoso de todos nuestros monumentos de Londres es el Cenotafio simple, conmovedor y digno, que significa "tumba vacía", del féretro simbólico que lo corona. Diseñado por Sir Edwin Lutyens, su prototipo era una estructura temporal de madera y yeso erigida apresuradamente para el Desfile de la Victoria de Londres en 1919. Inmediatamente después fue reconstruida en piedra, convirtiéndose más tarde en el monumento principal a los británicos y la Commonwealth muertos tanto en las Guerras Mundiales como en Británicos muertos en conflictos posteriores. Sigue siendo el foco nacional de las ceremonias de conmemoración en la actualidad.


¿Derribando estatuas? Es una tradición que se remonta a la independencia de EE. UU.

El entusiasmo por la Revolución Americana llevó a los colonos a quemar, desfigurar y desfigurar cualquier símbolo de Gran Bretaña y su odiado rey.

Los fuegos artificiales, las bandas y las comidas al aire libre son ingredientes esenciales de cualquier celebración del 4 de julio. Lo que no suele estar en el menú es derribar estatuas, derribar carteles o quemar retratos. Pero en los días posteriores a la declaración de independencia de la nueva nación, los estadounidenses se embarcaron en un frenesí de destrucción que hace palidecer los ataques de hoy contra los confederados y otros símbolos de la supremacía blanca en comparación.

El acto más dramático tuvo lugar en la ciudad de Nueva York el 9 de julio de 1776. Esa noche temprano, el general George Washington y sus tropas, junto con cientos de ciudadanos, se apiñaron en lo que ahora es City Hall Park para escuchar una lectura del documento que había Recién llegado de Filadelfia. La entusiasta multitud se dirigió luego hacia Broadway y la estatua ecuestre de dos toneladas del rey Jorge III en Bowling Green.

Esta fue la misma ruta que tomaron los manifestantes en 1765 cuando los neoyorquinos se manifestaron contra la Ley del Timbre que gravaba una gran cantidad de bienes. Al año siguiente, la asamblea de la colonia encargó la estatua en reconocimiento al apoyo del rey para derogar la legislación despreciada. Siguiendo el modelo de la escultura ecuestre clásica del emperador romano Marco Aurelio, llegó de Londres en 1770 y se erigió con gran pompa. Cuando John Adams hizo su primera visita a Nueva York en 1774, le escribió a su esposa Abigail que la estatua del rey era "muy grande, de plomo macizo, dorada con oro, colocada sobre un pedestal de mármol muy alto".

Dos años más tarde, fervientes neoyorquinos, con la ayuda de los soldados de Washington, lo sacaron rápidamente de su pedestal y lo rompieron en pedazos. Gran parte del plomo se envió a Connecticut y se fundió para producir 42.008 balas.

[La estatua] ha sido derribada para hacer una bala de mosquete, por lo que sus tropas probablemente se habrán derretido. Majesty les disparó.

El director de correos de Estados Unidos, Ebenezer Hazard, escribió que la estatua "ha sido derribada para hacer una bala de mosquete, por lo que sus tropas probablemente habrán derretido a Majesty disparado contra ellos".

Un oficial británico que hizo rescatar la cabeza decapitada de una taberna antes de que llegara al horno notó que la nariz estaba cortada, los laureles estaban torcidos y una bala de mosquete estaba alojada "parte del camino a través de su cabeza". Hizo que lo enviaran de regreso a Londres "para convencerlos en casa de la infame disposición de la gente ingrata de este país angustiado".

Washington escribió que si bien no dudaba del celo de quienes mutilaron la estatua, condenó lo que tenía "tanto la apariencia de un motín y la falta de orden". Les dijo a sus soldados que se mantuvieran alejados de tales incidentes en el futuro. (Washington también luchó contra una epidemia durante la Revolución Americana.)

Y la destrucción recién comenzaba. El escudo de armas británico en el palacio de justicia de Nueva York fue destruido, un frontón de piedra con la misma imagen fue destrozado, y el retrato del rey en la cámara del consejo fue “tirado, roto, despedazado y quemado, de todo lo que testificó el pueblo su aprobación por repetidas huzzas ". Las iglesias no estaban exentas. Un alférez naval escribió que al clero se le dio "el honor de quitar" el escudo de armas real. Si se negaron, "la gente puede proceder de la misma manera".

Cuando los británicos recuperaron el control de Nueva York en agosto, el gobernador real informó que "todo vestigio de realeza, hasta donde había estado en poder de los rebeldes, había sido eliminado". Incluso las coronas que decoraban la verja de hierro forjado que rodeaba la imagen del rey fueron arrancadas.

Sin embargo, las estatuas y los retratos reales eran artículos relativamente raros en las colonias, por lo que "los revolucionarios eliminaron trozos de papel, fichas, cualquier cosa que indicara la autoridad real", dice Brendan McConville, un historiador de la Universidad de Boston. “Las multitudes atacaron los carteles de las tabernas con los brazos o coronas del rey en ellos. Incluso las monedas con la imagen del rey fueron rechazadas o devaluadas ".

Después de que la declaración se leyó por primera vez en la Cámara de Representantes en Boston el 18 de julio, "el grito desde el balcón fue 'Dios salve a nuestros Estados estadounidenses' y luego tres vítores que rasgaron el aire", escribió Abigail Adams, testigo ocular del evento. Esa noche, según otro patriota, “los brazos del rey y cada signo con algún parecido. . .junto con cada letrero que pertenecía a un conservador, fue retirado y provocó una conflagración general en King Street ".

Cuatro días después, en Worcester, Massachusetts, el grupo paramilitar llamado Hijos de la Libertad retiró el escudo de armas del rey del palacio de justicia y lo quemó en la calle. Luego, los cabecillas fueron a celebrar "el comienzo de la era feliz" en un pub llamado King's Arms. Pero primero quitaron el letrero ofensivo, "que fue cumplido alegremente por el posadero".

En Filadelfia, el escudo de armas del rey en el palacio de justicia se hizo desfilar por las calles y luego se arrojó a una hoguera para deleite de los ciudadanos reunidos. Se desfiguraron los retratos del rey y de los miembros de la familia real en New Hampshire y Delaware. Después de que se leyera la declaración en Savannah, Georgia, el 10 de agosto, los rebeldes celebraron un funeral simulado y enterraron una efigie de Jorge III. (Esto es lo que los arqueólogos están aprendiendo de un baño colonial).

Destruir estos símbolos "no fue total o principalmente un acto de borrado", sostiene la historiadora de arte de la Universidad de Delaware, Wendy Bellion. Los estadounidenses estaban, de hecho, siguiendo una vieja tradición inglesa. Un año después de que el rey Carlos I de Inglaterra perdiera la cabeza en 1649, el Parlamento ordenó que su estatua en el Exchange de Londres "fuera demolida, quitándole la cabeza y quitándole el cetro de la mano". En 1689, los soldados protestantes en Newcastle quitaron una estatua del rey católico James II y la arrastraron por las calles antes de arrojarla al río.

Los acontecimientos del 9 de julio de 1776 provocaron recientemente un meme con una imagen del monarca británico y su caballo cayendo al suelo. “Después de escuchar una lectura de la Declaración de Independencia recientemente adoptada, los neoyorquinos 'destruyen la historia' derribando una estatua del rey Jorge III”, decía la leyenda irónica. "Y es por eso que nadie sabe quién ganó la Revolución Americana".

Sin embargo, como los neoyorquinos del siglo XVIII aprenderían, resultó relativamente fácil derribar un símbolo de opresión, pero se necesitaron años de lucha para hacer que la autoridad arraigada de esa época reflejara la voluntad del pueblo. "Podían ejecutar el símbolo del tirano en sus pueblos y aldeas", dice McConville. "Poner fin a la monarquía dentro de cada uno de ellos resultó más difícil". El esfuerzo continuo para poner fin al racismo y estar a la altura de las aspiraciones de la Declaración de Independencia, sin duda, resultará igualmente desafiante.


Estatuas romanas y escultura romana antigua

La escultura romana ganó impulso después de la conquista de Grecia alrededor del 146 a.C., aunque muchas de las famosas estatuas romanas que conocemos hoy en día fueron inspiradas por los griegos. De hecho, muchos romanos adinerados encargaron copias de estatuas griegas para decorar sus villas y jardines. Los romanos, sin embargo, desarrollaron su propio sentido del estilo con el tiempo. A diferencia de la escultura griega que retrataba a las personas en su forma ideal, las estatuas romanas buscaban una vista más realista.

En consecuencia, la contribución más significativa de los romanos al arte de la escultura fue el retrato realista, en el que registraron incluso los detalles faciales más hogareños. Este estilo de escultura realista probablemente se originó en los bustos de terracota de los antepasados ​​que se exhibieron en los funerales de los aristócratas romanos.

En su mayor parte, las estatuas romanas se usaron para decorar edificios públicos y privados y gran parte de esta escultura se usó para honrar al gobernante, celebrar victorias o promover el estado y su gobierno. Comenzando con César Augusto, el primer emperador romano, los escultores crearon estatuas idealizadas de la familia imperial. Statue.com se enorgullece de ofrecer una extensa línea de bustos romanos en nuestra Galería de Busto Romano y Griego.

También es muy interesante observar que, si bien las estatuas romanas sobreviven en gran número, se registraron pocos nombres de escultores romanos. En su mayor parte, las estatuas romanas se crearon típicamente para satisfacer las necesidades de sus patrocinadores más que para expresar las actitudes artísticas de sus escultores.

Aunque se pueden encontrar estatuas romanas en muchas de nuestras galerías, encontrará la mayor selección en nuestra Galería de esculturas clásicas y Galería de esculturas de tamaño natural.


El misterio detrás de las antiguas estatuas de San Agustín

El sitio de San Agustín, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, en el departamento de Huila, en el sur de Colombia, es un misterio arqueológico que ha fascinado a quienes lo estudian durante años. Se sabe muy poco sobre los misteriosos pueblos que construyeron los monumentos, tumbas y estatuas que abundan en el espectacular paisaje de la región. Una visita a San Agustín es una oportunidad para conocer de primera mano el notable trabajo que dejó una cultura poco conocida.

A primera vista, el pequeño pueblo colombiano de San Agustín parece poco diferente a muchos otros asentamientos similares que salpican la región andina colombiana: clima agradable, pintorescas calles adoquinadas, algunos bares y restaurantes, y muy poco más. Sin embargo, San Agustín es diferente a cualquier otra ciudad de Colombia: es el hogar de algunos de los sitios arqueológicos más importantes de América del Sur, los restos de una misteriosa cultura antigua que floreció entre los siglos I y VIII a.C.

Los antiguos sitios ceremoniales y de entierro se encuentran dispersos en un área de aproximadamente 250 millas cuadradas, y los visitantes podrían pasar semanas explorando todos los sitios conocidos. Hay alrededor de 600 estatuas conocidas y al menos 40 túmulos funerarios monumentales dispersos por toda la región del Alto Magdalena; alrededor de un tercio de las estatuas y la mitad de los túmulos se encuentran dentro de los límites del parque arqueológico de San Agustín, lo que significa que hay mucho para mantener. visitantes ocupados.

Las estatuas icónicas van desde pequeños monumentos que miden menos de medio metro hasta figuras gigantes e imponentes de hasta 7 m de altura. Varían en estilo, según la época en que se construyeron. Algunas son muy abstractas, con figuras antropomórficas, y otras son mucho más realistas, con imágenes de soldados y madres. Los observadores verán imágenes de animales sagrados como jaguares, ranas y águilas. Según la UNESCO, que nombró a San Agustín como Patrimonio de la Humanidad en 1995, el Parque Arqueológico de San Agustín, “da testimonio vívido de la creatividad artística y la imaginación de una cultura prehispánica que floreció en el hostil ambiente tropical de los Andes del Norte”.

El verdadero misterio de San Agustín radica en la identidad de los hábiles pueblos que construyeron estas notables estatuas y cementerios. Los arqueólogos y antropólogos han podido reconstruir algunas partes de su historia: los primeros vestigios de su cultura se remontan al 3300 a. C., y estos sitios arqueológicos fueron abandonados alrededor del 1350 d. C. Fueron redescubiertos en los siglos XVIII y XIX, y la mayoría de los lugares de enterramiento fueron saqueados en busca de oro (que resultó ser muy escaso, los pueblos de esta región no tenían mucho oro).

Así que se sabe muy poco sobre los pueblos antiguos de San Agustín o su cultura: no tenían lengua escrita y ya habían desaparecido varios siglos antes de que los europeos llegaran a esta parte del mundo. Pero su legado está sellado independientemente de cuánto o poco podamos aprender sobre ellos; después de todo, ellos fueron los responsables de construir "el grupo más grande de monumentos religiosos y esculturas megalíticas de América del Sur". Es poco probable que este misterio se resuelva pronto, pero una visita a San Agustín no se trata de resolver misterios, se trata de experimentar las maravillas de una civilización perdida.


Esa vez que un caballo se convirtió en emperatriz de Roma

Normalmente CKII es un muy juego serio, tanto una simulación de la política medieval sedienta de sangre como un juego de estrategia, pero los desarrolladores de Paradox no carecen de sentido del humor.

Por qué Reyes cruzados II Debería ser el juego del año

Es fácil. Porque es el único juego de esta lista que trata sobre sexo y política.

Hace un tiempo deslizaron Glitterhoof, un caballo real, en el juego como uno de tus consejeros (una broma relacionada con un DLC llamado "Horse Lords"). Fue asombroso, pero también limitado, porque a diferencia de los humanos en el juego Glitterhoof no se podía casar para tener bebés y propagar toda una dinastía de caballos reales.

O eso pensamos. Como Valehullu descubrió por primera vez y nanomaster ha demostrado ahora, hay una laguna en el juego:

Cuando el parche agregó Glitterhoof como un personaje real en el juego, asumí que el rasgo del caballo significaba que los comandos de la consola eran la única forma de interactuar con él, pero, como otro usuario descubrió en este hilo, hay un agujero en él, ya que no le impide ser nominado como obispo (este obispo también debe ser de nivel de cuenta o superior). Al nominarlo y esperar a que muera el obispo actual, debería engendrar algunos cortesanos de la cultura / etnia equina (y si quieres estar seguro de esto, puedes otorgarle la independencia), excepto que no tendrán el rasgo del caballo. Después de eso, puedes otorgarles tierras y casarte con estos nuevos cortesanos libremente, así que solo crié a mis gobernantes con ellos hasta que obtuve un heredero con etnia equina.

Si ese párrafo no te vende Reyes cruzados II, entonces no sé cómo ayudarte.

De todos modos, aprovechando ese vacío legal, nanomaster llevó a cabo un juego en el que, a través de una pequeña prueba, error y locura, logró elevar a Glitterhoof a una posición de poder. A CKII quirk luego dejó que Glitterhoof importara un montón de otros personajes de caballos para servirle, y listo, Europa tiene su propia cría de señores de los caballos.

Lo que sucede a continuación es difícil de explicar a los no jugadores, pero la esencia es que, a través de un conocimiento cuidadoso de cómo funcionan los diversos sistemas religiosos y políticos del juego, nanomaster pudo sembrar Europa con toda una casta de caballos gobernantes, antes de tomar uno de los sus descendientes y gestionar lo que ningún emperador, rey o general real fue capaz de lograr: la restauración del Imperio Romano.

Rainbow Dash, nacida en 896, se convertiría en Emperatriz, liderando directamente a sus ejércitos en la conquista del norte de África, Oriente Medio y el Mediterráneo. Ah, y mientras estaba en eso, también unificó el gran cisma de la fe cristiana.

Sinceramente, no sé qué es más impresionante aquí. La explotación del vacío legal o la habilidad requerida para tomar ese vacío legal y hacer algo tan genial con él. He jugado a este juego durante demasiado tiempo y no podría soñar con lograr algo tan ambicioso y oportuno.

El relato completo de esta dinastía se ha registrado aquí, y es lectura obligatoria para cualquiera que esté interesado en Crusader Kings II. O buenos juegos de palabras con caballos.


Estatua de un príncipe romano a caballo - Historia

El matrimonio en la época romana a menudo no era nada romántico. Más bien, fue un acuerdo entre familias. Los hombres generalmente se casaban a mediados de los veinte, mientras que las mujeres se casaban cuando aún estaban en la adolescencia. A medida que alcanzaban estas edades, sus padres consultaban con amigos para encontrar socios adecuados que pudieran mejorar la riqueza o la clase social de la familia.

Gobernado por la ley

Por esta razón, existen leyes específicas que regulan el matrimonio. Un matrimonio romano adecuado no podía tener lugar a menos que los novios fueran ciudadanos romanos o hubieran recibido un permiso especial, llamado `` conubio ''.

En un momento de la historia romana, a los esclavos liberados se les había prohibido casarse con ciudadanos. Esta restricción fue relajada por el emperador Augusto, quien aprobó una reforma en el 18 a. C. llamada lex Julia, de modo que, en el siglo I, a los esclavos liberados solo se les prohibía casarse con senadores.

Augustus insistió en otras restricciones al matrimonio. A los ciudadanos no se les permitió casarse con prostitutas o actrices y los funcionarios provinciales no se les permitió casarse con las mujeres locales. A los soldados solo se les permitía casarse en determinadas circunstancias y se prohibían los matrimonios con parientes cercanos. Finalmente, las esposas infieles divorciadas por sus maridos no podían volver a casarse [experto].

Sellado con un beso

Suponiendo que una boda propuesta satisfacía estas demandas, el proceso en sí era simple. Los futuros novios se comprometieron a casarse en el compromiso, una ceremonia formal entre las dos familias. Se intercambiarían regalos y se acordaría la dote. Se firmaría un acuerdo por escrito y el trato se sellaría con un beso.

La fecha de la boda en sí se elegiría con cuidado: algunas fechas se consideraron mejores que otras. En general, junio fue el mes más popular, aunque las bodas se celebraban durante todo el año.

Tradiciones de boda

A diferencia de hoy, el matrimonio no tenía fuerza legal propia sino más bien un acuerdo personal entre los novios. Como resultado, la boda en sí fue una mera formalidad para demostrar que la pareja tenía la intención de vivir juntos, lo que se conoce como `` afectio maritalis ''.

El día de la boda, el novio encabezaría una procesión hasta la casa de la familia de la novia, donde la novia sería escoltada por sus damas de honor para conocer a su futuro esposo. Llevaría una túnica recta, una túnica blanca tejida, ceñida con un elaborado "Nudo de Hércules". Habría arreglado cuidadosamente el cabello y estaría usando un velo de novia naranja y zapatos anaranjados. Sería una fiesta enorme. El día terminó con una ruidosa procesión hasta el nuevo hogar de la pareja, donde se llevó a la novia por el umbral para que no tropezara, un presagio especialmente malo.

El divorcio romano fue tan simple como el matrimonio. Así como el matrimonio era solo una declaración de intención de vivir juntos, el divorcio era solo una declaración de la intención de la pareja de no vivir juntos. Todo lo que exigía la ley era que declararan su deseo de divorciarse ante siete testigos.

Debido a que los matrimonios se podían terminar tan fácilmente, el divorcio era común, particularmente en las clases altas. Cuando se divorciaba, una esposa podía esperar recibir su dote en su totalidad y luego regresar a la patria potestas, la protección de su padre. Si hubiera sido independiente antes de su boda, recuperaría su independencia al divorciarse.

Bajo la lex Julia, una esposa declarada culpable de adulterio en un tribunal especial, conocido como la questio, podría sacrificar la devolución de la mitad de su dote. Sin embargo, la ley no reconocía el adulterio por parte de los maridos. La sociedad romana era en gran medida un mundo de hombres.


A donde seguir:

La vida en la época romana, la vida familiar
Religion in Ancient Rome Roman Worship


Historia

This impressive bronze equestrian portrait of George Washington (1732-1799), the first president of the United States, is the oldest sculpture in the New York City Parks collection. It was modeled by Henry Kirke Brown (1814-1886) and dedicated in 1856.

George Washington was born into a prosperous family on February 22, 1732, in Westmoreland County, Virginia. He was privately educated and gained experience as a land surveyor, before joining the militia. He served as an officer in the French and Indian Wars from 1755-1758. After rising to the rank of colonel, he resigned his post and married Martha Dandridge (1731-1802), returning as a gentleman farmer to the family plantation at Mount Vernon, Virginia.

He soon reentered public life, and served in succession as a member of the Virginia House of Burgesses (1759-74), and as a member of the First and Second Continental Congresses (1774-75). Upon the outbreak of the American Revolution in 1775, Washington was made Commander-in-Chief of the Continental Army. His military prowess and inspirational leadership held the colonial armies together against overwhelming odds, and secured the evacuation and defeat of the British in 1783.

Washington again retired to Mount Vernon, but his dissatisfaction with the new provisional government caused him to resume an active role, and in 1787, he presided over the second federal constitutional convention in Philadelphia. He was then unanimously chosen first president of the United States, and was inaugurated at Federal Hall in New York City on April 30, 1789. Washington was reelected to a second term in 1793, declined a third term, and retired from political life in 1797. Often referred to as "the father of our country," Washington is universally regarded as having been instrumental in winning the American Revolution and in establishing the new nation.

In 1851, a committee of concerned citizens interested in erecting a monument to Washington in New York approached sculptor Horatio Greenough (1805- 1852), known for his huge classical marble portrait of Washington. Simultaneously, the committee also invited Henry Kirke Brown to submit a design, though it was unclear whether he was to assist Greenough or compete with him for artistic selection. Any prospect of collaboration evaporated with Greenough's premature death in December 1852.

Though Brown, like many of his generation, made an obligatory visit to Italy to study, he was part of a group of sculptors attempting to establish a truly American sculptural idiom. His first major public commission was a statue of De Witt Clinton (1769-1828) which he completed for Greenwood Cemetery in 1852. Working at a specially equipped studio in Brooklyn, and assisted extensively by John Quincy Adams Ward (1830-1910), who himself would attain renown as a sculptor, Brown spent 18 months modeling the horse and rider.

The moment Brown depicts is that of Evacuation Day, November 25, 1783, when Washington reclaimed the city from the British. With outstretched hand, he signals to the troops in a gesture of benediction, a sculptural motif indebted to precedents from antiquity, most notably the Marcus Aurelius statue on Rome's Capitaline Hill. Yet Brown's attention to detail, and the life with which he infuses his subject, unites classical gestures and pose with what has been described as a "simple and direct naturalism." The piece was cast at the Ames foundry in Chicopee, Massachusetts, one of the first foundries in the United States capable of such large- scale quality work. The names of the donors are inscribed on the skyward face of the bronze sub-base. Brown also sculpted the statue of Abraham Lincoln on the north side of park.

On June 5, 1856, the Washington statue was installed on a simple granite base designed by Richard Upjohn. The event drew thousands of spectators. One month later, on July 4, the statue was formally conveyed to the custody of the City of New York. At that time the sculpture stood in a fenced enclosure in the middle of the street, at the southeast corner of the square. As part of the redesign and reconstruction of the park in 1929-30, the sculpture was moved from this traffic island (where it was prone to vehicular traffic and pollution) to its present location and placed centrally in the south plaza. Here it has stood in alignment with Henry Kirke Brown's sculpture of Lincoln-relocated at that time to the northern park path.

In 1989, the sculpture was conserved, and the missing sword and bridle strap recreated through the Adopt­ A-Monument Program, a joint venture of Parks, the Municipal Art Society, and the New York City Art Commission. The Citywide Monuments Conservation Program, a public-private initiative, conserved the sculpture in 2001, and performed additional restoration of the bronze in 2004 and granite pedestal in 2006.

In the aftermath of the attacks on the World Trade Center on September 11, 2001, the George Washington sculpture served as a touchstone for collective grieving and public expression, and became the central focus of a massive around-the-clock community vigil and a provisional shrine. These events reaffirmed the symbolic power of New York City's most venerable outdoor work of art.


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George Washington Details

  • Location: South end
  • Sculptor: Henry Kirke Brown J.Q.A. Ward. assistant
  • Architect: Richard Upjohn
  • Description: Equestrian figure on intergral plinth, pedestal on plinth
  • Materials: Bronze, Barre granite
  • Dimensions: Overall H: 26'4" Statue H: 13'6" Pedestal H: 12'2" W: 7'9" L: 15' Pedestal plinth H: 10" W: 9'9" L: 17'
  • Cast: 1856
  • Dedicated: July 4, 1856
  • Foundry: Ames Foundry, Chicopee, Mass.
  • Donor: Merchants of New York

Please note, the NAME field includes a primary designation as well as alternate namingsoften in common or popular usage. The DEDICATED field refers to the most recent dedication, most often, butnot necessarily the original dedication date. If the monument did not have a formal dedication, the yearlisted reflects the date of installation.


The Influence of Ancient Rome on the Italian Renaissance

Leaon Alberti is considered to have been the consultant for the design of the Piazza Pio II, Pienza which is considered an early example of Renaissance urban planning. (Image: Photographed by Oschirmer/Public domain)

The Italian Renaissance: Learning from Ancient Buildings

The glory of the ancient past was a model for emulation and a golden age to be recovered so that its wisdom could be applied to the circumstances of Italy in the second half of the 14th century.

A 1521 Italian language edition of De architectura written by Vitruvius. (Image: Mark Pellegrini/Public domain)

The discovery of particular texts had enormous implications. When the works of Vitruvius were rediscovered, there was an explosion of interest in ancient buildings. Vitruvius wrote an extremely important volume, De architectura libri decem (Ten Books on Architecture). Vitruvius, an architect at the time of Augustus—actually one of Augustus’s official architects—talked about ancient buildings in a significant way: Not only practically but also abstractly, about the role that buildings play in our lives.

Those who discovered the texts after 1415 realized they could apply these principles to the building of their own buildings—not just copying ancient buildings, following the model that archaeology had revealed to them, or following what Vitruvius said you should do, but taking the inspiration and the essence and applying them to buildings that suited their reality. Just the way ancient text could be applied to the conditions of contemporary Italians in the 15th century, so ancient buildings could be reduced to an essence—a set of principles and ideas—that could be applied to the needs of 15th-century Italians, which were quite different from the needs of 1st-century Romans.

The Vitruvian orders of architecture: Tuscan and Doric orders (top row) two versions of the Ionic order (center row) Corinthian and Composite orders (bottom row). (Image: by w:User:stw/Public domain)

The implications of Vitruvius became huge. His influence can see in the most simplistic ways: The three Vitruvian orders of architecture—Doric, Corinthian, and Ionic—began to appear, much like they do, for example, the facade of the Colosseum. But other aspects began to develop.

In particular, we can see in the career of Leon Battista Alberti (1404-1472) how these ideas could be distilled into a set of principles that could apply to the conditions of the Italian world.

A Great Universal Man

Leon Battista Alberti (1404-1472)
(Image: By Florentine School//Public domain)

Alberti was an architect, a great uomo universale—a great universal man. He was an athlete, he wrote in Latin and in the vernacular, and was artistic. Alberti was a sculptor and a theorist in painting. His book on the theory of painting takes the idea of linear perspective and turns it into a formula that others could apply. He was the most remarkable human being. Even among all those accomplishments, he also wrote a book on architecture that is, in many ways, a crib from Vitruvius.

The book can be considered highly derivative, but Alberti’s purpose was quite different: To take an ancient text and apply it to the needs of his own time. Thus, Alberti wrote De re aedificatoria, o On Building. Not only did he write a theoretical treatise on architecture, but he then proceeded to construct buildings. In particular, in Florence, he designed the facade of the Palazzo Rucellai from 1452 to 1470, in which the Vitruvian orders appear and the ideas of ancient buildings were made useful to a Florentine palace for a wealthy merchant.

Leon Battista Alberti designed the upper facade of the Santa Maria Novella. (Image: Photographed by Quinok /Public domain)

He designed the Church of Sant’Andrea in Mantua from 1470 through 1476—taking the model almost of a Roman triumphal arch and applying it to the facade of a Christian church. It was he who designed the facade of Santa Maria Novella in Florence, that church by the railway station, which is the first thing many tourists see as they walk toward the center of the city.

Alberti even tried to build a pagan temple for one of the more curious figures of the Italian Renaissance, Sigismondo Malatesta this building is known as the Tempio Malatestiano in Rimini, a building he started in 1450 but never completed.

Designing for the Modern Roman

Alberti was not just an antiquarian, only interested in ancient buildings because they were beautiful or because he was curious. He was interested in ancient buildings for what they could tell him about the buildings he was designing and considering for his own time—what was useful, what was decorative, what was appropriate—and what was not. This idea of decorum infuses every idea of Renaissance thought. In the application of architecture and the vocabulary of classical architecture to Renaissance design, decorum became important because it had to be useful and appropriate.

Discovering the Art of Antiquity

Discoveries of ancient sculpture and bronzes changed the world as well. There was a resurgence, after a hiatus of 1,000 years, portrait busts and marble being produced in Florence. Mino da Fiesole (1429-1484) resurrected with great skill and sensitivity the head-and-shoulders busts of individuals—modeled, of course, on those Roman busts so often seen in museums. Lorenzo Laurana, who died in 1502, did the same for female portrait busts. Those serene and elegant images of women from his own time began to appear as reflections of ideal beauty. They aren’t copies of ancient statues at all but are the infusion of ancient spirit into contemporary marble.

The equestrian statue of Marcus Aurelius is the only full-sized equestrian bronze to survive from antiquity. (Image: Photographed by I, Jean-Christophe BENOIST/Public domain)

Among the veneration of ancient art is the equestrian statue of Marcus Aurelius, one of the most important of all statues because it’s the only full-sized equestrian bronze to survive from antiquity. All the others were melted down soon after the collapse of Rome to make weapons, doors, or bells. But it survived because it was universally believed to be the first Christian emperor, Emperor Constantine—one doesn’t melt down Christian emperors. It was placed in front of St. John Lateran until Michelangelo moved it to the Capitoline Hill where it sat many years, serving as a reminder of Christianity and the victory of the cross—that is, Constantine’s adoption of Christianity for the empire, rather than of imperial splendor.

Powerful Statues for Powerful Men

But what did our Renaissance sculptors do with it? Did they use it as an example of the victory of Christianity over paganism, of Constantine’s defeat of his pagan half-brother, Maxentius, at the Milvian Bridge in AD 312?

No. They used it as an inspiration for other equestrian bronzes of secular individuals who, like Roman emperors, could control and command. The most famous was Donatello’s Gattamelata, the condottiere of the Honeyed Cat, what Gattamelata means in Italian. It’s placed in the piazza of Sant’Antonio in Padua and was cast between 1445 and 1450.

Dontaello’s Gattamelata was influenced by the equestrian statue of Marcus Aurelius. (Image: Photographed by Lamré/Public domain)

This extraordinary piece of bronze casting—a triumph of both a wonderful sculpture and a remarkable moment in engineering—indicates that Donatello desired to do what that ancient sculptor had done with Marcus Aurelius, but couldn’t. In the figure of Marcus Aurelius, one leg of the horse has risen, so there are only three legs on the plinth.

The entire enormous weight of that bronze statue is being supported on just three horse’s hooves. Donatello couldn’t do it he had to have the fourth leg raised but resting on a cannonball to distribute the weight equally on all four legs. But it took just a generation or two until Andrea Verrocchio managed to reproduce the feet of the ancients. His image of another condottiere captain, Colleoni, stands in the Piazza San Giovanni e Paolo in Venice. He was able to distribute that weight on three legs.

What we see in these two bronze sculptures is not just the desire to reproduce the past and to acquire it, but the desire to infuse the present with the spirit of the past. These sculptures took the model of Marcus Aurelius and used it in a way that gave dignity, power, and authority to these two mercenary captains—associating them with Roman emperors and using the art of the bronze caster to create something that would last as long as Marcus Aurelius.

Donatello (1386 – 1466) (Image: Photographed by Frieda/Public domain)

Donatello broke new ground similarly with another statue that became iconic in more ways than one. Between 1430 and 1435, he cast his David. David was the first freestanding male nude sculpture since antiquity, a genre not practiced at all during the Christian Middle Ages because of the ambiguous attitude toward the nude human body. Donatello not only produced this wonderful object—this splendidly elegant, beautiful piece of bronze—not only reproducing the form of the Old Testament hero but producing the spirit of ancient sculpture.

Creating Ideal Beauty

Con David, Donatello captured the ancient spirit as well as its form. (Image: Photographed by Patrick A. Rodgers/Public domain)

That statue, which you can see in the Bargello in Florence, demonstrates such perfection and a sense of perfect fluidity, naturalness, and ideal male beauty. Donatello captured the ancient spirit as well as its form. In that elegant figure of David, Donatello broke through the wall that separated the appreciation of the perfect nude body from the Christian fear of the flesh.

Donatello started a movement he was soon after followed by another David. Verrocchio created a David from 1473 to 1475—this one partly clothed, but still in the spirit of ancient sculpture. Finally, we have the David of Michelangelo—that 17-foot-tall, ideal figure that is so perfect it goes beyond the rules of correct anatomy.

The Symbol of the Florentine Republic

With the figures of David, we have not just classical statues being made in the Renaissance and not just a new form of sculpture in the round of the nude male figure, but we have an icon. Porque David had become the symbol of the Florentine republic, it had become the model of the beset hero, chosen by God or by history, or by nature, to do great things.

Florentines saw themselves as David. They saw themselves as a chosen people. The figure of David, then, is not just one of beauty—it’s almost one of propaganda. It’s a reflection of a community spirit in marble or bronze.

Common Questions About the Italian Renaissance

The Italian Renaissance was a period during the 14th to 17th centuries where culture reached great heights of craftsmanship and meaning. It was the expansion of civilization from the dark, violent middle ages into a modern society with advancements in all arts and sciences.

The Italian Renaissance was brought to an end by the French invasion and the proceeding Italian Wars.

The Italian Renaissance is largely thought to have begun by the efforts and patronage of the Medici Family and other rich backers in Florence, Italy.

France and England were engaged in the Hundred Years’ War. But Italy had the glory of ancient Rome and Greece and all the culture that it had spawned, as well as a wealthy merchant class, very rich cities, and of course, the education that came with the Moors.


Roosevelt statue to be removed from American Museum of Natural History

Its depiction of Native American and Black men is "racist," the museum said.

Roosevelt statue to be removed from American Museum of Natural History

A statue of Theodore Roosevelt outside the American Museum of Natural History in New York City that has been criticized for symbolizing colonialism and racism will be removed, the city announced Sunday.

The statue, which is owned by the city, was unveiled in 1940 and sits on public park land outside the museum's Central Park West entrance. The memorial features Roosevelt on horseback with a Native American man and an African man by his side.

"The American Museum of Natural History has asked to remove the Theodore Roosevelt statue because it explicitly depicts Black and Indigenous people as subjugated and racially inferior," Mayor Bill de Blasio said in a statement. "The City supports the Museum's request. It is the right decision and the right time to remove this problematic statue."

In a statement on its website, the museum, which is currently closed due to the coronavirus pandemic, said the statue has "long been controversial because of the hierarchical composition that places one figure on horseback and the others walking alongside, and many of us find its depictions of the Native American and African figures and their placement in the monument racist."

The museum said a city commission considered removing the statue in 2017 and 2018 but didn't reach a consensus. The city "directed that it should stay in place with additional interpretation and context to be provided by the Museum," the statement said.

Last year, the museum debuted an exhibition on the statue's history and modern-day reactions, but that "in the current moment, it is abundantly clear that this approach is not sufficient."

Roosevelt served as New York governor before becoming the 26th U.S. president. In a statement to the New York Times, one of his descendants expressed approval of the decision to remove the monument.

"The world does not need statues, relics of another age, that reflect neither the values of the person they intend to honor nor the values of equality and justice," Roosevelt's great-grandson, Theodore Roosevelt IV, said. "The composition of the Equestrian Statue does not reflect Theodore Roosevelt's legacy. It is time to move the statue and move forward."

It is not yet known when the statue will be removed or where it will go, the Times said. The museum is naming its Hall of Biodiversity after Roosevelt, according to the Times.

Protests over the death of George Floyd while in police custody last month have brought greater attention to statues that are associated with racial injustice, from monuments of Confederate generals to the explorer Christopher Columbus.

In that vein, New York City announced on Friday that it is considering reviewing monuments to historic figures, including George Washington and Thomas Jefferson.

Following the announcement of the Roosevelt statue's removal, New York State Assemblywoman Nicole Malliotakis said on social media, "First, they go after our Nation's Founding Fathers -- Washington and Jefferson -- in City Hall. Now TR. This is insanity and it has to stop now."